Традиционные ремесла России
Кузнечное дело
Самым древним народным промыслом на Руси стало кузнечное дело. Кузнецы ковали орудия труда, инструменты (железные сошники, косы, серпы, ножи, пилы, замки) и оружие (мечи, сабли, наконечники стрел, кольчуги, шлемы).
Отдельной отраслью было «златокузнечное», т. е. ювелирное дело. Мастера изготавливали искусные ювелирные вещи – бронзовые амулеты и украшения: подвески, пряжки, колты и гривны (древние серьги и ожерелья). Ювелирные украшения выполнены в технике зерни (на изделие напаивался узор, состоявший из множества шариков) и скани (рисунок наносили тонкой проволокой, напаянной на металлическую поверхность, а промежутки между сканными перегородками заполняли разноцветной эмалью). Так получались высокоценные ювелирные изделия, выполненные в технике перегородчатой эмали, типично русские украшения. Ювелирная техника русских мастеров была очень сложной, а их изделия пользовались большим спросом во многих странах мира.
Гончарное ремесло
Гончарное ремесло обособилось несколько позже кузнечного. В XI в. появляется гончарный круг. Помимо самой разнообразной посуды гончары изготовляли кирпичи.
Обработка дерева
Дохристианская Русь знала литье и чекан, керамику и вышивку, владела тонким мастерством эмалей. Киевские художники владели резьбой по кости, чернением, гравировкой по металлу, изготовлением изразцов, стеклоделием.
Но искуснее всего Русь была в обработке дерева. Деревянные постройки, избы и хоромы, ворота и мосты, крепостные стены, а также лодки, хозяйственная утварь щедро украшались резьбой и определяли ее облик.
Художественная роспись
Издавна Русь славилась своим фарфором и искусством художественной росписи. Сложились даже разные школы и направления этого этих народных промыслов:
Гжель – это название фарфора с нарядной синей росписью на белом фоне. Название это произошло от названия местности под Москвой. Гончарное ремесло существует здесь с
начала XIV века. Гжельская керамика известна и популярна во всем мире.
Жостовская роспись (по названию деревни под Москвой) - декоративная живопись маслом на металлических подносах, покрываемых затем лаком: цветы и фрукты, исполненные яркими красками на черном фоне.
Палехская миниатюра (по названию райцентра в Ивановской области) – так называется живопись на лаковых изделиях из папье-маше. Шкатулки и ларцы с бытовыми фольклорными, литературными, историческими, религиозными сюжетами, выполненными яркими красками по черному фону. Искусство палехской лаковой миниатюры восходит к XV веку. Первоначально художники писали иконы. Старинная технология росписи передается из поколения в поколение.
Хохлома - это ручная роспись по дереву. Этому промыслу более 300 лет. Чашки, солонки, стулья, полки – расписаны диковинными огненно-алыми цветами. Секрет этих изделий в том, что их два-три раза покрывают лаком, а потом закаляют в печи. От этого лак желтеет, и деревянные расписные чашки становятся похожими на драгоценную позолоченную посуду.
Лубок – русские народные картинки, созданные путем оттиска на бумаге с деревянного клише. Продаваемые на ярмарках еще в XVII веке, вплоть до начала XX-го, считались самым массовым видом изобразительного искусства Руси. Тематика народных картинок очень разнообразна: она охватывает темы религиозные и нравоучительные, народного эпоса и сказок, исторические и медицинские, обязательно сопровождаемые назидательным или шутливым текстом, повествующие о нраве и быте того времени, содержащие народную мудрость и юмор.
Ремесло в Туле
В любом уголке России и далеко за ее пределами можно встретить тульский самовар. О появлении первых самоваров в Туле известно с 1778 года. Существует около 200 разновидностей самовара. В Туле есть даже музей самоваров. Но главным русским сувениром считается матрешка - полая внутри, ярко расписанная деревянная кукла, из которой, одна за другой, вынимаются такие же куклы, мал-мала меньше.
http://www.advantour.com/rus/russia/crafts.htm [1]
Деревянное зодчество Древней Руси – наше культурное наследие
В качестве строительного материала дерево использовалось с давних времен. Деревянная архитектура на Руси воплотила в себе удачное сочетание пользы и красоты. Многие строительные и художественные приемы, которые полностью отвечали условиям быта и культуры народа, вырабатывались русскими зодчими в течение тысячелетий.
Деревянное зодчество Древней Руси зародилось в северных районах страны. Именно там находились богатейшие хвойные и лиственные леса. На берегах Печоры, Онеги, Северной Двины до сих пор сохранились уникальные памятники Древней Руси. Династии русских зодчих тысячелетиями оттачивали свое мастерство, бережно хранили профессиональные хитрости и передавали их своим сыновьям.
Северный край, издавна славившийся своими лесами, вырастил на своей земле талантливейших зодчих, произведениями которых мы имеем возможность любоваться до сих пор. Дерево для постройки рубили не всякое. Заранее выбирали сосну, которая отвечала всем требованиям мастеров, и делали на стволе затесы – узкими полосами снимали кору, оставляя полосы для сохранения сокодвижения. После этого дерево оставляли в покое лет на пять. За это время она активно выделяла смолу, которая обильно пропитывала ствол. Лишь после этого, холодной осенью, ее рубили. Позже рубить старые мастера не советовали – гнить начнет. Осину и другие лиственные деревья заготавливали весной, во время сокодвижения. В это время со ствола легко снималась кора, а бревно, высушенное на солнце, становилось крепким, как кость.
Деревянное зодчество Древней Руси уникально еще и тем, что, как правило, единственным орудием мастера был топор. Несмотря на то что пилы уже были известны с десятого века, их применяли только в столярном деле. Считалось, что пила рвет древесные волокна и оставляет их открытыми для воды. Более того, старались не использовать гвозди – вокруг них дерево начинает быстрее портиться. В случае необходимости применяли деревянные костыли. Основой деревянной постройки на Руси являлся сруб – скрепленные в четырехугольник выдержанные бревна. Ряд бревен уважительно называли «венцом». Самый нижний венец часто устанавливали на каменное основание – ряж, изготовленный из мощных валунов. Таким образом, дом становился теплее и меньше гнил. Зодчество Древней Руси отличалось от европейского тем, что не существовало различий в строительстве дома и храма. Самой древней и простой формой была «клетская». Таким образом, строились храмы и часовни. Это три сруба, которые соединены между собой и расположены с запада на восток. Деревянное зодчество Древней Руси начинает стремительно развиваться в пятнадцатом веке, когда появляются первые деревянные колокольни. Самые древние звонницы были построены на Новгородских и Псковских землях.
Необходимо заметить - деревянное зодчество Древней Руси не забыто. Большинство памятников этого уникального искусства находится под охраной государства, а в северных районах страны появляются школы, где передаются основы мастерства русских зодчих.
http://fb.ru/article/87147/derevyannoe-zodchestvo-drevney-rusi-nashe-kulturnoe-nasledie [2]
ДЕРЕВЯННОЕ ЗОДЧЕСТВО :
https://www.youtube.com/watch?v=hLQ4RdTuMqI [3]
https://www.youtube.com/watch?v=MfanlRzNeAs [4]
Мировые сокровища культуры Погост Кижи:
История кузнечного ремесла и мастера кузнечных дел
Произведении из кованого железа XVII—XVIII столетий имеют историческую и художественную ценность. В них оригинальность художественных образов получила мастерское воплощение в материале. Использование различных способов орнаментации, богатство и разнообразие узоров, чувство формы предмета позволяют отнести их к лучшим достижениям русского художественного металла.
Русское кузнечное ремесло имеет давние традиции. Сложилось оно еще в глубокой древности. Веками накапливался опыт, совершенствовалась техника кузнечного дела. Нехитрыми, но требующими определенных значительных навыков способами из кованого железа изготовляли различные предметы: гнули толстые пруты для светцев и воротных колец, ключей и сечек, ковали и вытягивали железные ленты для сундуков и ларцов.
Ларцы-«теремки». XVII в. Великий Устюг.
Проследить развитие кузнечного дела как одного из видов народного творчества во всей полноте и последовательности трудно — до нас дошло ограниченное число памятников. Определить время и место их производства бывает также довольно сложно, поскольку сходные по своему характеру и приемам орнаментации изделия встречаются в разных районах.
Навершие хоругви. XVIII в.
На протяжении многих веков в России существовали промыслы по обработке железа. История их возникновения и развития связана с источниками сырья, с ростом добычи руды и выплавки железа.
Спрос на изделия кузнечного художественного ремесла был большим, сбыт их обеспечивала широкая торговля. Развозились они по всей России. В XVI— XIX веках значительные кузнечные производства были сосредоточены в Москве, Устюжне Желознопольской, Великом Устюге, Туле, Ярославле, Нижнем Новгороде. В каждом из этих центров складывались свои традиции, были свои талантливые и умелые мастера.
Подголовник. XVII в.
В жизни городов и сел ремесло кузнеца играло значительную роль. Мастера могли подковать лошадь и сделать плуг, выковать ограду и изготовить новый замок. Но безвозвратно ушли в прошлое имена тех, кто умелыми руками выполнял удивительные по красоте изделия.
Испокон веков на Руси почиталось ремесло кузнеца. Отношение к нему было особенное. Занятие это всегда вызывало в народе затаенный интерес, труд мастера окружала некая дымка таинственности и загадочности. Не зря, наверное, в русских сказках и песнях самым хитрым и умным был мужик-кузнец.
Замок-секира. XVIII в.
Вероятно, поэтому умение выплавить руду, верно угадать добавки к железу, температуру нагрева признавалось чуть ли не чудодейственным. И, быть может, по праву Кузнецов можно считать первыми металлургами и химиками. На Руси рано было налажено производство кричного железа, называемого так от слова «крица»— куска металла, получаемого при обработке руды. После того как механическим путем из него удаляли шлак, раскаленную болванку подвергали ковке.
Помещения для кузниц были всегда прочными и надежными. Находились они обыкновенно за пределами селения или города. Ведь кузнечное дело связано с огнем, поэтому часто кузницы строились ближе к озеру или реке, на случай пожара. Иногда они были просто земляными. Но вы-строенные из сухих, крупных бревен служили восемьдесят-сто лет. Но зря в народе говорили: «Две избы переживешь, а кузницу пережить трудно».
Кронштейн. XVIII в.
Необходимую принадлежность любой кузницы составлял горн — кирпичная печь с отверстием для воздуховодной трубы — мехов. Оборудование мастерской несложно: наковальни, молотки различной величины и веса, напильники и зубила, клещи и щипцы для держания раскаленных болванки и подковки. Мастер редко работал один. Только при ковке мелких изделий он мог обойтись бел помощника. Подручный обычно подкладывал угли, зажигал и раздувал огонь, приводил в движение мехи. Кузнец же бросал в огонь кусок железа и накаливал его добела. Если кусок железа был невелик, то одной рукой кузнец вынимал его клещами и клал па наковальню, а другой ударами молота выковывал предмет желаемой формы. Эта операция требовала немалых физических усилий и сноровки. Если ковался большой кусок, то подручный оставлял мехи, брал молот и работал вместе с кузнецом. Несколько раз переходило железо из огня на наковальню, а затем снова возвращалось в огонь для дальнейшего накаливания. По окончании ковки мастер опускал изделие в воду. Затем следовали операции по сборке и отделке изделия. Это труд сложный и кропотливый. Еще с древнейших времен мастерам были известны такие приемы, как сварка, обточка, резка, полировка, пайка. Знание этих приемов обработки давало возможность изготовлять различные инструменты, оружие, предметы быта.
В коллекциях художественного металла наиболее ценными являются изделия русских кузнецов XVII—XVIII веков. Это самые разнообразные по назначению и формам бытовые вещи — сундуки, светцы, сечки, ключи, личины замков и др. Они позволяют судить о высоком мастерстве безымянных ремесленников.
В XVII—XVIII веках кузнецы использовали различные способы украшения изделий. Они пробивали сквозные узоры на железных полосах, покрывали гладкие поверхности насечкой и гравировкой.
Личина замка. XVII в. Север.
Чертами определенного стилистического единства обладают изделия мастеров Великого Устюга. Исстари славился город искусными ремесленниками. Но особенно знаменит он был своими кузнецами. До сих пор названия городских улиц (Кузнечная, Кузнецовский переулок) хранят память о местных мастерах. Здесь делали прочные и надежные сундуки, окованные металлическими пластинами, благодаря которым они выглядели нарядными и красивыми; выполняли замки, кованые решетки, различные мелкие и крупные декоративные украшения.
Но особенно высоко ценились великоустюгские сундуки, которые делали на заказ и преподносили в качестве подарков. В них хранили ценности и документы, поэтому часто в деревянный остов врезали хитроумные замки.
Подвес паникадила. XVII в.
Известны сундуки двух типов — ларцы-«теремки» и «подголовники». Самой распространенной и характерной формой был «теремок» с четырехскатной крышкой. «Подголовники», которые ставили в изголовье, имели прямоугольные основания и с лицевой стороны покатые крышки. Наружные стенки сундуков окрашивали краской, обтягивали кожей, покрывали слюдой, а поверх околачивали просечными железными листами. Часто весь сундук сплошь опоясывали железными пластинами. В обоих случаях они подчеркивали форму и пропорции вещи.
Орнамент на железных полосах составляли фигурные завитки, причудливые листики. Они, как правило, располагались в определенном ритмическом порядке. Затейливые узоры наносили на железный лист и специальным пробойником прорубали. Эта работа требовала точного глаза и высокого мастерства.
Тонкие прорезные узоры украшали дверные и сундучные петли, наружные части замков и задвижек, церковную утварь.
Сечка. XVII в.
Навершие хоругви укрепляло полотнище знамени. Место производства представленного образца неизвестно, но в его оформлении применены сходные воликоустюгским ларцам приемы орнаментации. В треугольную форму органично вплетен узор из симметричных волнистых побегов с мелкими завитками. Мотивам придаются мягкие, плавные очертания.
Характерна повторяемость одинаковых элементов, сложность рисунка переплетающихся стеблей, листьев. Растительные формы обобщены. На просвет орнамент напоминает легкую ажурную ткань.
Иногда просечную технику использовали в комбинации с гравировкой. К интересным и немногочисленным изделиям этого вида относится врезной замок XVIII века. Его наружный щиток по форме напоминает секиру. Контуры предмета определили расположение награвированных насечек и прорезного узора. В рисунке растительных завитков много общего с орнаментами железных полос для оковки сундуков. Массивный щиток замка украшен ажурным прорезным узором. Мелкие завитки на фоне слюдяной подкладки выглядят легкими и изящными. Чтобы оттенить сквозной орнамент, мастер покрыл гладкую поверхность щитка мелкими углублениями в виде точек, которые выполнены с помощью специального инструмента — острого чекана. Рисунок, намеченный точками, контрастирует с пластически обработанным сквозным узором.
Прорезные орнаменты были разнообразными. В украшении железных лент и замков они мелкоузорные, обобщенно растительного характера. В оформлении же личины замка мастер использовал крупный растительный мотив. В причудливом узоре личины, обрамлявшей отверстие для ключа, широкое и плавное движение стебля подчеркнуто пышными формами цветов. Обобщенный характер орнамента достигается плоскостной трактовкой деталей, а сквозной фон выявляет рисунок, его линейность, четкий силуэт.
В убранство интерьеров соборов и церквей немаловажную роль играли подвесы и кронштейны для светильников и паникадил. Подобные украшения получили особое распространение в XVII—XVIII веках. Эти произведения дают возможность высоко оценить технические достижения мастеров, их художественное чутье в создании предметов объемных, рассчитанных на обозрение в пространстве.
Светец. XVII в.
Кованые кронштейны с деталями, выполненными из листового железа, укреплялись в стенах. Крупные, с изрезанными острыми краями листья скрывали изогнутый прут, к которому подвешивали лампаду. Цветы и побеги приклепаны к стержню в разных направлениях, поэтому кронштейн как бы парит в воздухе, напоминая растение с пышными цветами. Закругленные края бутонов и отогнутые листики четко обрисовываются светотенью.
Динамичность, собранность композиции можно отметить в подвесе для паникадила. Упругие, обращенные в разные стороны завитки и тонкие железные пластинки-листики симметрично расположены по сторонам витого стержня и подчеркивают направленность закручивающихся внутрь спиралей. С помощью простых лаконичных средств достигается декоративная выразительность предмета.
Рассматривая изделия кузнецов, мы встречаем вещи, очень близкие по формам и орнаментам, но в ряду похожих предметов не найдем абсолютно одинаковых.
Стремление к организованности и четкости композиций и форм орнамента заметно и в художественном оформлении повседневных предметов быта XVII— I XVIII веков.
Рукоять сечки для рубки капусты украшена конскими голова. Их изображения связаны с древними магическими представлениями людей. Образ коня в народном искусстве наделен силой и смелостью. Он был символом — «оберегом», охраняющим от всего дурного и горестного. Гибкие головки животных и крупные завитки по сторонам сечки придают предмету красивые очертания. Ритмическая повторяемость спиралевидных завитков объединяет украшение верхней части сечки с мягким овалом лезвия. Здесь господствует пластическое равновесие масс, симметрия, лаконичная ясность силуэтов.
Светцы. XVII-XVIII в.
Руками кузнецов создавались и светцы — некогда распространенный предмет домашнего обихода, своеобразное приспособление для освещения помещения. Без лучины, медленно сгоравшей и падавшей в корытце с водой, трудно представить себе деревенскую избу. Ни один дом не обходился без подобной «светильни». Березовые или сосновые щепки вставлялись в железные светцы. При этом металлический стержень, к которому крепились держатели, внизу заострялся так, чтобы его можно было вставить в специальную подставку или закрепить в бревенчатую стену дома. В отдельных случаях стержни приваривались к круглым кольцеобразным основаниям. Своими пропорциями и силуэтами светцы вызывают ассоциацию с легкими расцветшими бутонами на высоких ножках. Застывший цветок в своих фигурных побегах скрывает держатели для лучин. Обычная высота светцев не превышает 1—1,3 метра, по они всегда кажутся выше, напоминая цветы, стремительно растущие ввысь. Этому впечатлению во многом способствует соразмерность завитков, попарно закрепленных по всей высоте стебля.
На одном из светцев верхняя часть решена в виде стилизованной женской фигуры. Подобное изображение — явление исключительное. Возможно, фигура эта олицетворяет мать сыру землю, образ, символизирующий природу. При всем лаконизме, декоративной выразительности силуэта изображение сохраняет отголоски своего древнего содержания.
И. Богуславская, В. Пушкарев — «Добрых рук мастерство»
История искусства резьбы по камню уходит корнями в далекое
прошлое и неразрывно связана с таинственной «мраморной»
пещерой, расположенной на берегу реки Пьяны в с. Борнуково
Бутурлинского района. Издавна эта пещера славилась своим
поделочным камнем — ангидритом или как его называли
«нижегородским мрамором». Он был самых разных оттенков:
розового, белого, голубоватого, коричневого, серого и
зеленоватого, с разнообразными рисунками и узорами. Во
времена Екатерины II камень, добываемый в пещере
отправлялся в Санкт-Петербург на отделку дворцов. Расцвет
боруковского камнерезного искусства приходится на 30-е
годы XX века, когда в с. Борнуково была создана фабрика
художественно-камнерезных изделий «Борнуковская пещера».
Сначала она работала как филиал Казаковского объединения
ювелирных изделий, потом самостоятельно. Через несколько
лет, переняв опыт уральских мастеров, борнуковские резчики
по камню достигли вершин мастерства и неоднократно
удостаивались самых высоких наград на российских и
международных выставках, в том числе на выставке в 1937
году в Париже.
Резьба по камню в Нижегородской области
Традиции камнерезного искусства сегодня продолжает фабрика
«Борнуковская пещера». Мастера сохранили и технологию
обработки камня, и традиции ассортиментного ряда изделий.
Резьба по мягкому камню — одна из наиболее сложных
областей современного декоративного искусства, и среди
камнерезных промыслов России мастера предприятия
«Борнуковская пещера»Камнерезное искусство обладают
индивидуальным творческим лицом, продолжая традиции
анималистического жанра в русском народном творчестве. При
обработке камня используется токарная обработка в
сочетании с объемной и рельефной резьбой, гравировкой.
Образцы животных и птиц отличаются лаконичностью и в тоже
время неповторимыми «характерами», которые позволяют
выявлять природную красоту материала. Выразительный
силуэт, мягкая пластичность, лиричность, бесхитростность
создаваемых образцов передают красоту и своеобразие
животного мира и доброту русской души.
Помимо скульптур птиц и зверей, в большом ассортименте
мастера предприятия изготавливают предметы быта: изящные
подсвечники, вазы, шкатулки, письменные наборы.На фабрике
работает музейно-выставочный зал, для желающих проводятся
мастер — классы резьбы по камню, экскурсии по фабрике и к
Борнуковской пещере.
http://promisly.ru/nhp/rezba-po-kamnyu [7]
***
Резьба по камню. Малахит:
Резьба по камню. Малахит. Часть 1// Русский метод. Ремесло как искусство
https://www.youtube.com/watch?v=IYe6V4R2dDg [8]
Резьба по камню. Малахит. Часть 2 // Русский метод. Ремесло как искусство
Тайны уральских самоцветов - Малахит :
https://www.youtube.com/watch?v=MHtHeTY1YvM [9]
***
Резьба по камню:
http://www.youtube.com/watch?v=ED6QDgVsxbk [10]
***
Республика Тыва – центр Азии, люди заселили эти края еще в
каменном веке. Это неудивительно, ведь Тува невероятно
богата ресурсами, и ко всему прочему, только здесь
добывают розовый агальматолит – особый вид камня, из
которого местные мастера уже на протяжении множества
столетий создают невероятные по красоте скульптуры.
Гжель: синее волшебство Гжель - это район, в который входит 27 деревень, называемых «Гжельский куст». Располагается этот район недалеко от Москвы (около 60 км). Гжель известна во всем мире, и прославили ее изделия из фарфора с необычной синей росписью. Гжельские глины были источником богатства Гжели. С середины XVII века в Гжели велась добыча различных сортов глины. В 1770 году Гжельскую волость приписали к Аптекарскому приказу «для алхимической посуды» - указом царя Алексея Михайловича (Тишайший царь разбирался в посуде).
Качество гжельских глин оценил не только царь, но и Ломоносов, написавший: «Едва ли есть земля самая чистая и без примеГжель: синее волшебствошения где на свете, кою химики девственностью называют, разве между глинами для фарфору употребляемыми, такова у нас гжельская, которой нигде не видал я белизною превосходнее», - почти романтическая ода.
Но расписная, «синяя» гжельская посуда, которую знают во всем мире, появилась не сразу. Сначала в Гжели выпускали обычную глиняную посуду, так называемую «черную», затем - ее же, облитую глазурью (глазурь придавала глине прозрачность и воздушность).
Светлая серая глина была обнаружена в 1802 году, и тогда Гжель начала производить полуфаянс.
Примерно тогда же в деревне Володино нашли белую фаянсовую массу, и около 1804 года был основан первый фарфоровый завод Гжели. Начало было скромным - сам хозяин (Павел Куликов, обучался технологии изготовления фарфора на заводе Отто в селе Перово) и один работник.
Павел Куликов желал сохранить «фарфоровый секрет», но, конечно же, он выплыл наружу. Легенда гласит, что гончары Храпунов и Гусятников, воспользовавшись методами промышленного шпионажа, то есть, попросту совершив взлом с проникновением, срисовали печь для обжига изделий и похитили образцы глины. Результатом этого взлома явилось возникновение еще двух фарфоровых заводов в Гжели.
Гжель: синее волшебство Эти заводы делали уже не только посуду, но и разнообразные игрушки. Роспись выполнялась разными красками - лиловой, желтой, синей и коричневой. Так как мастера были «родом из народа», то и мотивы росписи были соответствующими, и игрушки тоже создавались в народном стиле, на темы русского быта.
Гжельская керамика - это всегда жизнь, и жизнь русская. Даже если в Гжели изготавливается классический индийский слон, то он все равно приобретает какой-то чисто российский колорит. Гжельская керамика - это девушки с ведрами, семейные и бытовые жанровые сценки (например, типично русская баба у стола и котенок, запрыгивающий к ней на колени - умилительно и очаровательно). Сказочные персонажи, вдохновляющие мастеров Гжели, тоже почти без исключений русские: волк и ягненок, коршун, ворон, несущий живую и мертвую воду, Иван-царевич и так далее. При всей кажущейся простоте росписи гжели, ей удается добиться того, чего не могут добиться многие художники - полной узнаваемости персонажей.
Исключительно синяя роспись стала визитной карточкой Гжели только со второй половины 20-х годов XIX века. До сих пор мастера Гжели верны старым традициям. В наш век унификации, механизации, компьютеризации каждое изделие расписывается толькоГжель: синее волшебствовручную.
Стиль Гжели узнаваем с первого взгляда, ошибиться невозможно. Узоры и цветы, синие и голубые, на белом фоне, сохраняющие аромат древней Руси - это Гжель. Роспись выполняется кобальтовой краской, разведенной водой. Когда мастер еще работает, кажется, что все однотонно, все «просто синее», но после обжига появляются оттенки, и единственный синий цвет ухитряется выразить все многообразие цветовой палитры мира.
Мастеров Гжели обучают чуть не с пеленок. Начинается обучение буквально в детском саду, продолжается в средней школе и заканчивается в Гжельском Художественном Колледже. Затем следуют курсы аспиранта в Москве, и новый мастер Гжели готов приступить к работе. Не удивительно, что в Гжели все мастера отличаются высочайшей квалификацией, художники и скульпторы - одаренностью.
Современные изделия Гжели - это не только посуда, декоративные статуэтки и игрушки. Гжель изготавливает вазы, камины, люстры - любые изделия из фарфора. Ассортимент весьма разнообразен. Продукция Гжели пользуется устойчивым спросом во всем мире.
София ВАРГАН
http://www.luxemag.ru/tableware/3586.html [12]
Гжель:
Гжель. Птица и пейзаж. :
Хохломская роспись (Хохлома) - это самобытный русский народный промысел, существующий более трехсот лет, уникальное явление не только в масштабах России, но и в мировом искусстве. Промысел был основан в лесном Заволжье, на территории нынешнего Ковернинского района Горьковской области. Жители селений Новопокровское, Виноградово, Мокушино, Большие и Малые Хрящи, Семино, Кулигино, Скородумово, Воротнево, Шабашево, Медвежково, Рассадино, Скоробогатово и других, расположенных по берегам реки Узолы, испокон веков занимались окраской деревянной точеной посуды.
Благодаря иконописцам из старообрядческой среды, владевшим древним приемом "вызолачивания" изделий, здесь распространился своеобразный способ превращения простых деревянных мисок в "золотые" без использования драгоценного металла. Традиционная техника, усовершенствованная в наше время, основана на простом принципе. После завершающего этапа отделки изделия - "закалки" - под влиянием высокой температуры покрывающая его лаковая пленка приобретает медовый цвет. Сочетание ее с просвечивающимся металлизированным слоем дает золотистый эффект.
Хохломские изделия привлекают не только красотой орнамента. Их ценят за прочное лаковое покрытие, благодаря которому ими пользуются в повседневной жизни. В хохломском блюде можно подать окрошку к столу, в чашку налить горячий чай - и ничего не сделается с деревянным изделием: не потрескается лак, не поблекнут краски. Не случайно во все времена существования поволжского промысла мастера, владеющие "хитростями" изготовления этой "волшебной посуды", попадая по воле судьбы в другие места, основывали там новые центры ее производства.
И в наше время технология отделки хохломских изделий продолжает привлекать многих мастеров декоративно-прикладного искусства. Продолжатели дела безвестных русских мастеров поволжского промысла - наши современники совершенствуют технологию отделки и подготовки хохломских изделий, отбирают наиболее пригодные для термической обработки материалы. Они создали неповторимое искусство кистевой росписи на объемной токарной форме, разработали своеобразные, лаконичные и вместе с тем очень эффектные приемы письма.
Хохлома. Ложка полубаская.
Ассортимент хохломских изделий сформировался давно. В его основе лежат резные ложкарные изделия и токарная посуда: чашки, миски, поставцы, бочата, солоницы, ложки. В последние десятилетия были созданы новые формы бытовых вещей: комплекты посудных изделий для компота, ухи, салата, ягод, блинов и меда, наборы для кухни -поставки с полками, а также крупные декоративные изделия для украшения жилища - декоративные блюда, панно. В отделке хохломских изделий народные мастера используют несколько вариантов. Все они отличаются температурными режимами, продолжительностью сушки и закалки, тонкостями выполнения приемов. На примере одной из разновидностей отделки видны операции, через которые проходит каждая вещь.
Изготавливают хохломские изделия из древесины местных лиственных пород - липы, осины, березы. Из просушенного дерева - тонкомерных "стульчиков", распиленных на толстые плахи "кряжей", вытесывают болванки и "чураки". В токарном цехе массивная заготовка превращается в задуманное изделие, "чурак" как бы тает под резцом мастера, все лишнее отлетает с легкой белой лентой стружки. Выточенное изделие еще раз сушат и только потом оно попадает к отделочникам, подготавливающим его к росписи. Иногда одно изделие до трех десятков раз проходит через руки мастера-отделочника.
Полуфабрикат сушат при температуре 22 - 28 градусов в течение 3-20 дней, в зависимости от размера изделия. Когда влажность древесины достигнет 6-8 процентов, сушка закончится. Если влажность окажется больше, изделие может получиться недоброкачественным: с пузырьками - разрывами лаковой поверхности.
Просушенные изделия шпаклюют. Делают это либо по старинке вапом, либо специальными шпатлевками. Вап - мелкозернистая отмученная глина, разводимая до густоты очень мутной воды. В раствор добавляют 25-50 процентов мела. Проще применять шпатлевку из жидкого мучного клейстера. В приготовленный раствор макают кусок шерстяной ткани и обмазывают им изделие. После просушки операцию повторяют еще раз. Окончательная сушка длится шесть - восемь часов.
Грунтуют изделие льняным маслом, которое наносят полотняной тканью. После этого ему дают вылежаться 40-50 минут и только потом обтирают лоскутом, снимая излишки масла. После грунтовки изделие на четыре-шесть часов помещают в сушильный шкаф, где температуру поддерживают на уровне 40-50 градусов. Для сушки изделий по хохломской технологии необходим шкаф, в котором можно регулировать температуру в пределах 30-120 градусов. Высушенные заготовки охлаждают до комнатной температуры и слегка шлифуют.
Следующий ответственный процесс - покрытие изделия олифой. Для этого берут натуральную, сваренную из льняного или конопляного масла олифу. Ее равномерно размазывают на руках и слегка потирают ими изделие так, как будто моют его. После сушки в течение двух-трех часов при температуре 22- 25 градусов, когда олифа уже не пристает к рукам, но пленка еще не полностью высохла, изделие олифят второй раз, нанося слой потолще. Если древесина впитывает много олифы, как, например, осина, то весь процесс повторяют еще раз, если мало, достаточно проолифить изделие два раза. Как только поверхность изделия приобретет ровный блеск, его можно лудить, то есть покрывать алюминиевым порошком.
Для нанесения полуды применяют с модельные приспособления - куколки, представляющие собой тампон, к рабочей части которого пришит кусок натурального меха (лучше овчины) с коротко подстриженным ворсом. После полудки изделие приобретает ровный металлический блеск. В таком виде оно и поступает на роспись. К краскам, используемым для росписи хохломских изделий, предъявляют повышенные требования, так как многие из них в процессе сушки и закалки могут выгорать от высокой температуры. Мастера берут термостойкие минеральные краски - охру, сурик, а также киноварь и кармин, сажу, хромовую зелень. Разбавляют их очищенным скипидаром.
В красильных цехах работают преимущественно женщины. Художницы сидят за невысокими столами, на низеньких табуретах. При такой посадке колено является опорой расписываемому предмету. Для хохломских мастериц характерна работа на весу: небольшую токарную вещь, опирая о колено, придерживают левой рукой, а правой наносят орнамент на ее округлую поверхность.
Такой способ держания расписываемого предмета позволяет легко поворачивать его в какую угодно сторону с любым наклоном. На столе удобно располагают кисти, краски, палитру и находящиеся в работе вещи. Для нанесения простого орнамента применяют штампики, которые вырезают из шляпного войлока, гриба-дождевика и других материалов, хорошо удерживающих краску и позволяющих отпечатать рисунок на изделии. При выполнении мотивов "ягодка", "цветок" часто используют круглые тычки из свернутой капроновой ткани.
Хохломские мастера владеют особым приемом держания кисти, при котором в процессе письма участвуют не только пальцы, но и вся рука, благодаря чему можно проводить одним слитным, неразрывным движением длинные пластичные мазки и серии штрихов на сферических или цилиндрических поверхностях.
Кисть, положенная на фаланги указательного и среднего пальцев, прижимается к ним подушечкой большого пальца, что позволяет чуть-чуть вращать ее во время письма. Выполняя роспись, иногда слегка опираются на мизинец, прикасаясь им к изделию. Тонкую, с волосяным кончиком кисть ставят почти вертикально к поверхности предмета. Ее обычно ведут к себе, немного вращая в ту сторону, куда изгибается мазок.
Хохломской росписи свойственны два типа письма и тесно связанные с ними класса орнамента - "верховой" и "фоновый". "Верховая" роспись наносится пластичными штрихами на металлизированную поверхность, образуя свободный ажурный рисунок. Классическим примером верхового письма является "травка", или "травная роспись" с красными и черными кустиками, стебельками, создающими своеобразный графический рисунок на золотом фоне.
Другая разновидность верхового письма - "под листок". В ней широко применяются более крупные растительные формы - округлые листики, ягодки, располагаемые симметрично у стебля. Для "фоновой" росписи характерно применение фона - черного или цветного, тогда как сам рисунок остается золотым. До заполнения фона на расписываемую поверхность предварительно наносят контуры мотивов. Формы больших мотивов моделируют штриховкой. Часто по окрашенному фону пишут мелкий травный узор - "приписку". Более сложным типом фонового письма является "кудрина", названная так за изобилие круглых завитков, которые создают сказочные формы растений, цветов и птиц. После росписи изделие поступает в окончательную отделку, во время которой его натирают олифой, дважды покрывают лаком и ставят на несколько часов в печь для закалки, где температура достигает 150 градусов.
В настоящее время хохломская роспись получила большое распространение. Широко известны два ее крупных центра - Семинская фабрика художественных изделий "Хохломской художник" и Семеновское ордена "Знак Почета" производственное объединение "Хохломская роспись", находящиеся в Горьковской области.
Семинские мастера, продолжатели традиций коренной хохломы, тонко чувствуют красоту луговых трав, лесных ягод. Они расписывают преимущественно традиционную, старинной формы посуду. Семеновские мастера, горожане, чаще применяют в росписи богатые формы садовых цветов, предпочитая технику росписи "под фон". Они любят точный контурный рисунок и широко используют разнообразные штриховки для моделирования мотивов. Но наряду с основными центрами хохломской росписи возникло много новых производств, выпускающих изделия "под золото".
Хохломская хлебница.
Изделия отличаются большим разнообразием. Простые формы деревянной посуды - мисок, чашек и бочат, поставков и кандеек - восходят к традиционной русской утвари. Красивые по пропорциям, крепкие и устойчивые, они создают в доме атмосферу уюта и праздничности. Сельские мастера не склонны к поискам новаторских, эффектных решений, предпочитая набор привычных предметов, оптимальные размеры и пропорции которых стали классическими. Такую отобранную столетней традицией токарного ремесла и уже обладающую высокими художественными достоинствами посуду мастерицы расписывают растительными узорами.
Живописцы великолепно владеют всеми видами хохломской росписи, они знают и любят золотые узоры кудрины, древнее травное письмо с раскидистыми черными и алыми стеблями, нанесенными каллиграфически точными мазками. Однако в своей работе мастера отдают предпочтение росписи с чернолаковым фоном и чаще пишут знакомые и столь близкие сельскому жителю изображения садовых и луговых цветов, плодов и листьев. Художницы соединяют в одном произведении красоту весеннего цветения природы и ее осенней щедрости, в поэтических образах воплощая мечту земледельца о богатом урожае, благодаря чему расписываемые ими предметы становятся своеобразными символами пожелания благополучия. Столь любимый мастерицами черный фон помогает им достигать большей звучности цветовой гаммы росписи, и растительный узор четче выделяется на нем.
В своей работе они широко используют особый прием моделировки - наносят на изображаемые растения цветной контур мягкого оттенка, который сиянием обволакивает мотивы, придавая им сказочность. Такой загадочно мерцающий орнамент покрывает не только вещи подарочного назначения, уникальные произведения, которые мастера готовят на крупные смотры народного художественного ремесла,- вазы, братины, ковши, но и массовую продукцию колхозного промысла.
Поверхность ковша-утицы с навесными ковшиками, расписанного ведущим мастером колхозного промысла Антониной Васильевной Разборовой, снаружи и изнутри покрыта узором ветвей лесной яблоньки-дикуши с маленькими румяными яблочками и золотистыми звездочками соцветий. Подобные пятилепестковые цветы, разные по размерам, написаны рядом с земляникой и яблоком, плодами малины, хмеля и крыжовника, гроздьями рябины. Но они настолько органично входят в орнамент, что не возникает сомнений в правомерности таких сочетаний.
http://traditio.wiki/%D0%A5%D0%BE%D1%85%D0%BB%D0%BE%D0%BC%D1%81%D0%BA%D0%B0%D1%8F_%D1%80%D0%BE%D1%81%D0%BF%D0%B8%D1%81%D1%8C [14]
Городецкая роспись — русский народный художественный промысел. Существует с середины XIX века в районе города Городец. Яркая, лаконичная городецкая роспись (жанровые сцены, фигурки коней, петухов, цветочные узоры), выполненная свободным мазком с белой и черной графической обводкой, украшала прялки, мебель, ставни, двери. В 1936 основана артель (с 1960 фабрика «Городецкая роспись»), изготовляющая сувениры; мастера — Д. И. Крюков, А. Е. Коновалов, И. А. Мазин.
Городецкая роспись
Городецкая роспись держит свое начало от резных городецких прялок, : фигуры вырезались из дерева другой породы и вставлялись в соответствующее по форме углубление. Вставки, сделанные из темного мореного дуба, рельефно выделяются на светлой поверхности донца. Таким образом, располагая всего двумя оттенками дерева и несложным инструментом, народные умельцы превращали поверхность доски донца в настоящую картину.
Городецкие мотивы — сцены городской жизни
Позже мастера для изобразительного богатства стали применять подкраску, яркое сочетание желтого цвета с темным дубом, добавление синего, зеленого, красного цветов делало донце еще более нарядным и красочным. Известным мастером инкрустированных донец с подкраской.
Необходимость увеличить производство прядильных донец натолкнуло мастеров на мысль упростить технику декоративного оформления. Со второй половины XIX века сложная и трудоемкая техника инкрустации стала заменяться просто резьбой с подкраской, а с 1870-х годов на Городецких донцах преобладает живописная манера украшения.
Особенности росписи
В нижегородских росписях можно различить два типа — павловские и городецкие росписи, которыми украшали сундуки, дуги, сани, детскую мебель, донца для прялок и многие мелкие предметы обихода. Городецкий стиль отличается прежде всего содержательностью. В росписях основное впечатление дают жанровые сцены. Все эти изображения условны по характеру, очень вольны и декоративны по форме, а иногда граничат с шаржем. Это — быт крестьянства, купечества, пышный парад костюмов. Значительное место занимают цветочные мотивы — пышные «розаны», писанные широко и декоративно. По выражению А. В. Бакушинского мастер стал подлинным живописцем. Об этом же говорит и В. С. Воронов, писавший, что «нижегородская манера представляет нам наиболее чистый вариант подлинного живописного искусства, преодолевшего рамки графического пленения и основанного исключительно на элементах живописи…» Рядом с жанровыми реалистическими мотивами в городецких росписях живут и идеализированные, декоративные образы птиц и животных.
Встречаются экзотические львы и барсы. Особенно часто изображение горячего, сильного коня или петуха в гордой, воинственной позе. Чаще всего это парные изображения, геральдически обращенные друг к другу. Городецкий мастер росписи любит цветы и букеты. Они всюду разбросаны на поле росписей веселыми гирляндами и букетами. Там, где позволяет сюжет, мастер охотно пользуется мотивом пышного занавеса, подхваченного шнуром с кистями. Декоративность мотивов подчеркивается декоративностью цвета и приемов. Любимые фоны — ярко-зеленый или напряженный красный, глубокий синий, иногда черный, на котором особенно сочно расплескивается многоцветие Городецкого колорита. В характеристике сюжета разбелённые тона дают богатые оттенки цветовых переходов. Роспись ведется кистью, без предварительного рисунка, свободным и сочным ударом. Он очень разнообразен — от широкого мазка до тончайшей линии и виртуозного штриха. Работа мастера быстра и главное экономна. Поэтому она очень обобщена, проста по приемам, свободна в движении кисти руки. Характерны городецкие цветочные росписи на освальтах, многокрасочные и выразительные работы мастеров А. Е. Коновалова и Д. И. Крюкова сделал Максим Шелипов.
Жостовская роспись — российский народный художественный промысел росписи кованых металлических (жестяных) подносов, существующий с 1825 года в деревне Жостово Мытищинского района Московской области.
Основной мотив жостовской росписи — цветочный букет.
История росписи
История Жостово и жостовского промысла восходит к началу XIX века, когда в ряде подмосковных сел и деревень бывшей Троицкой волости (ныне Мытищинский район Московской области) — Жостово, Осташкове, Хлебникове, Троицком и других — возникли мастерские по изготовлению расписных лакированных изделий из папье-маше. Традиции этой росписи появились в Жостово и окрестных селениях на основе более ранней тагильской росписи (XVIII век). Основной мотив жостовской росписи, как и тагильской, — это цветочный букет.
В 1922 г. в деревне Новосельцево возникла «Новосельцевская трудовая артель» по выпуску железных лакированных подносов; в 1924 г. в деревне организовались «Жостовская трудовая артель» и «Спецкустарь»; в 1925 г. — «Лакировщик» и одновременно в селе Троицкое — артель «Свой труд» по росписи подносов. Все они были объединены в 1 928 г. в специализированную артель «Металлоподнос» в деревне.
1920—1930-е годы были нелёгкими в истории Жостово. Общие для советского искусства тенденции прямолинейного утверждения современности и реализма приводили к тому, что ведавшие народными промыслами организации пытались изменить традиционное направление их развития и внедряли в жостовскую живопись образцы орнаментальных и тематических композиций, созданные художниками-профессионалами без учета специфики местного искусства и несущие черты станковизма и натурализма. Ведущие художники понимали чужеродность подобных новаций самой сущности народного творчества, сумели противостоять им и направить новые идеи на углубление традиционного мастерства.
В 1960 — е годы начался новый этап в истории Жостово, продолжающийся и сейчас. Художественная роспись подносов обретала всё больший авторитет и популярность благодаря не только массовыми изделиям, но и уникальными произведениям ведущих мастеров, все чаще привлекавшим внимание на многочисленных выставках в стране и за рубежом. За свою историю жостовские подносы из бытового предмета стали самостоятельными декоративными панно, а ремесло, служившее некогда подспорьем к земледелию, обрело статус уникального вида русского народного искусства. Сегодня декоративная роспись находится на подъёме. Это не означает, что в жизни промысла нет сложностей и проблем. Они существуют во всех сферах нашей культуры, которой приходится противостоять современной коммерциализации. Жостово подражают, пытаются подделываться под стиль и даже авторские манеры художников. Однако коллектив, постоянно работающий в промысле, обладает высочайшим профессионализмом, достигнутым многолетним упорным трудом и творческими поисками, совершенствованием мастерства и постоянной ориентацией на лучшие образцы из наследия старых мастеров. К этому надо добавить изучение истории искусства, классического натюрморта и разных видов русского прикладного и народного искусства, пополняющих «творческую копилку» мастеров
Особенности жостовской росписи
В искусстве жостовских мастеров реалистическое ощущение живой формы цветов и плодов сочетается с декоративной обобщённостью, родственной русской народной кистевой росписи на сундуках, берестяных туесах, прялках и т. п. Основной мотив росписи — цветочный букет простой композиции, в котором чередуются крупные садовые и мелкие полевые цветы. Роспись производится обычно по чёрному фону (иногда по красному, синему, зелёному, серебряному), причём мастер работает сразу над несколькими подносами.
По назначению подносы делятся на две группы: для бытовых целей (под самовары, для подачи пищи) и как украшение.
По форме подносы бывают круглые, восьмиугольные, комбинированные, прямоугольные, овальные и другие.
Ведущие художники жостовского промысла — А. И. Лезнов, И. С. Леонтьев, Д. С. Кледов, Н. П. Антипов, Е. П. Лапшин.
Жостовская роспись:
***
Музей при Жостовской фабрике декоративной росписи:
Палех. Художественная роспись
Палех – вид изобразительного искусства. По преданию название Палех произошло от названия поселения, в котором производились такие изображения. Некогда во Владимиро-Суздальское княжество пришли люди, которые спасались от вражеских орд. Для нового поселения они сжигали, палили лес, отсюда и само название. Людей, которые жили в Палехе, называли Палешанами и славились они искусным ремеслом иконописцев. Впоследствии они настолько ценились, как художники, что их приглашали расписывать церкви и храмы со всей России.
Впоследствии их искусство стало менее востребованным, но они не отчаялись и стали расписывать шкатулки и поделки в так называемом лаковом стиле – миниатюрах. Здесь героями выступают различные былинные и сказочные персонажи – богатыри, князья, истории сражений с драконами и так далее.
Пишется Палех яркими темперными красками, густыми и плотными мазками либо тонкими и полупрозрачными. Для начала на изделие наносится чёрная краска, что в палехе является фоном для рисунка. Вообще, искусство этого промысла является довольно сложным и трудоёмким процессом во много этапов и, что бы научиться ему в полной мере, художники изучают его очень долго. В результате шкатулка или другое изделие превращается из безликой коробочки в драгоценную вещь сказочной красоты.
http://art-assorty.ru/380-paleh.html [18]
***
Иконы Палеха:
https://www.youtube.com/watch?v=QZKTqBy68-w [20]
***
Палех. Сохраняя правила письма:
https://www.youtube.com/watch?v=4x7ZYgdsav8 [21]
***
Палех. Миниатюрная живопись:
https://www.youtube.com/watch?v=hXIrN4SjQxs [22]
Русские кружева
Плести кружева нелегко, это занятие очень кропотливое. Но при всей сложности плетеных узоров научиться делать кружева может каждый — вы убедитесь в этом, если захотите.
РУССКОЕ НАРОДНОЕ КРУЖЕВО — вид русского народного искусства, имеющий многовековую историю. В 12 веке мастерицы кружевоплетения в России создали самобытное направление, вошедшее в историю культуры под названием «русское кружево». Слово «кружево» впервые появляется в летописи XIII века.
Когда речь заходит о кружевах в специальной литературе, «настоящими» считаются кружева, выплетенные на коклюшках. Коклюшечные кружева разделяют на сцепное, многопарное и численное (бессколочное и безбулавочное). В отличие от других видов кружев, эти плетутся не одной, а сразу несколькими нитками, намотанными на специальные приспособления — коклюшки.
Кружево — декоративные элементы из ткани и ниток. Общим признаком всех видов кружева являются дыры - просветы - разных диаметров между нитками, которые и образуют узор. Кружево используется в оформлении одежды, а также в оформлении интерьера в виде декоративных панно, скатертей, тюлей, покрывал. Оно используется также для украшения женского нижнего белья.
Что нам понадобится:
ПОДУШКА. Сшейте из плотной ткани нижнюю наволочку и набейте опилками, чтобы получился ровный валик. Верхнюю наволочку придется почаще менять, так как изготовление кружев требует исключительной чистоты. Подушку с начатым кружевом вы потом будете накрывать белой салфеткой. Подушка кладется на деревянную подставку высотой около 75 см.
КОКЛЮШКИ — это деревянные палочки, утонченные в шейке. Длина коклюшки 170 мм, шейки — 40 мм, диаметр коклюшки — 10 мм, шейки — 5—6 мм. Нитки и можете брать хлопчатобумажные с № 10 до 80, в зависимости от назначения, размера и плотности изделия. Нитку наматывают на две коклюшки — сначала на одну, затем, не отрывая, на другую. Закрепляют нитку на коклюшке петелькой так, чтобы во время работы нитка свободно сходила с коклюшки. Коклюшки без заусенцев — залог комфортного плетения.
СКОЛОК — рабочий рисунок. Делается он на плотной бумаге или картоне голубого или зеленого цвета. Основа рисунка — точки, куда нужно будет вколоть булавки. Точки соединены тонкими линиями, нанесенными тушью: они показывают расположение нитей. Если узор повторяется, в сколке достаточно показать его линиями один раз, а остальной участок сколка обозначить только точками для булавок.
Булавки желательны латунные, но подойдут и обычные. Техника плетения кружев заключается в основном в переборе и перекладывании в определенном порядке коклюшек с намотанными на них нитками. Коклюшки берите за середину нижней части, не касаясь пальцами ниток, и навешивайте парами на булавки, с которых начинается плетение. Плетите одновременно двумя парами коклюшек — одна пара в правой руке, другая — в левой.
Простейшие операции — перевив и заплет.
ПЕРЕВИТЬ — значит коклюшки в одной руке поменять местами с помощью большого пальца той же руки. В зависимости от рисунка перевив делают до трех раз.
СПЛЕСТИ — внутреннюю коклюшку правой руки подложить под внутреннюю коклюшку левой руки (ползаплета), затем повторить это переплетение с наружными коклюшками (полный заплет). Основные элементы кружева — плетешок, полотнянка, насновка, сетка.
ПЛЕТЕШОК выполняется двумя парами коклюшек и часто украшается отвивными петельками. Отвивную петельку можно сделать парой коклюшек с помощью булавки. Булавку пропускают под крайнюю нитку, захватывают ею вторую нитку и вытягивают петлю. Затем ставят булавку в точку накола, после чего коклюшки осторожно утягивают и продолжают плести дальше.
ПОЛОТНЯНКА выполняется несколькими парами коклюшек. Принцип переплетения ниток в ней тот же, что и в ткани полотняного переплетения — отсюда и название. Пары, идущие вдоль рисунка, называются долевыми, а пара, переплетающая их, — ходовой. После сплетения ходовой пары с крайней долевой ставят булавку, ходовую пару огибают вокруг булавки и перевивают два раза. Затем снова переплетают ходовую пару последовательно со всеми долевыми в обратном направлении.
НАСНОВКИ — овальные или прямоугольные элементы кружева. Плетутся они очень плотно. Выплетают насновки двумя парами коклюшек, навешенными на одну булавку. Из четырех ниток три продольные служат основой, а четвертая переплетает их. Последовательность плетения овальной насновки показана на рисунке. Чтобы получить правильную форму насновки, в начале и конце плетения разводите крайние коклюшки на малый угол, а в середине — побольше. Нитки нужно держать натянутыми, особенно крайние, а ходовую утягивать осторожно, чтобы она ложилась свободно, создавая необходимую плотность.
СЕТКА — более прозрачное плетение, чем полотнянка, хотя выполняется она по тому же принципу. Нитки в сетке располагаются по двум диагоналям, пересекаясь по горизонтали одной из коклюшек ходовой пары, которая последовательно сплетается в ползаплета с перевитыми долевыми парами и только с обеими крайними — в полный заплет. Набив немного руку на основных элементах, можно переходить к плетению кружеве, которое будет сочетать в различных вариантах эти элементы. Начнем с так называемого парного кружева. Обычно оно состоит из кромки, основного узора и фестона. Кромку, как и полотнянку, выплетают из нескольких долевых пар и одной ходовой. Варианты кромки отличаются друг от друга главным образом количеством долевых пар, перевивов и переплетений.
Основной узор расположен в центральной части кружева и состоит из различных геометрических фигур — квадратов, треугольников, ромбов. Заполняются эти фигуры в основном описанными нами элементами — плетешком, полотнянкой, насновкой, сеткой. Фестон — нижняя зубчатая кайма кружева. В ажурном кружеве фестон может состоять из одних плетешков. Может быть фестон и в виде непрерывной извитой ленты из сетки или полотнянки, оканчивающейся округлыми зубцами. Можно выплести фестон из зубцов, соприкасающихся в одной точке.
При плетении парного кружева количество пар коклюшек от начала и до конца не меняется. Булавки, закрепляющие сплетение двух пар нитей, ставятся точно и прямо в точку накола. Наклонное положение булавок может исказить узор. Подушка находится на подставке все время в горизонтальном положении. Для начала попробуйте сплести плетешковое кружево пико, которое выполняется восемью парами коклюшек. Оно состоит из кромки с тремя долевыми парами и одной ходовой и простейшего фестона из четырех пар, которые образуют два ряда плетешков, пересекающих Друг друга. Для этого кружева можно взять нитки № 40.
Кромка выплетается одновременно с фестоном. Плетешки внутреннего ряда фестона сплетаются с ходовой парой кромки через одну точку накола в полный заплет. Таким же образом сплетаются с внутренними плетешками плетешки наружного ряда фестона. Плетешки дополняются отвивными петельками. Таким кружевом можно украсить, например, воротничок и манжеты школьного платья.
Овладев парной техникой плетения кружев, вы можете попробовать свои силы в сцепной технике. Но сцепная техника достаточно сложна, и заниматься ею нужно очень серьезно.
В полной мере овладеть сцепной техникой сможет, наверное, только тот, кто изберет кружевное дело своей профессией.
Фламандское и русское кружево
Во фламандских провинциях Бельгии распространены две основные техники кружевоплетения. Шитое иголкой кружево (одна из техник) до сих пор производится в Аалсте, Бельгия. Это кружево называют «брюссельским», так как продается оно в основном в Брюсселе. Кружево второго типа, бобинное кружево, производят в Брюгге (т. н. «брюггское кружево»). Производство брюггского кружева обходится слишком дорого, поэтому брюггское кружево больше не делают в коммерческих целях, а вяжут только на заказ.
Традиционное русское кружево отличается от фламандского не только внешним видом, но и технологией изготовления. На Руси издревле кружево создавалось двумя различными по технологии способами, а именно парным и сцепным способом. Для изготовления кружева необходимо оборудование: коклюшки, на которые наматывается нитка, «подушка» и подставка, — для плетения сцепного кружева помимо традиционных булавок требуется крючок. Чаще всего кружево плетётся по заранее отрисованному рисунку — сколку. В России до сих пор есть несколько действующих кружевных центров, из них самые известные — Вологодский, Елецкий, Вятский (Кировский), Михайловский, Белевский, Кадомский вениз. Отдельные мастерицы сохранили производство кружева в бывших промысловых центрах — Балахне и Кирише. Кружева каждой местности отличаются друг от друга стилистикой рисунка и различным сочетанием элементов кружева — плетешков, насновок, паучков, полотнянок разных видов.
По технике исполнения кружево бывает:
на коклюшках/плетеное
фриволите/плетеное челноком
игольное/шитое
хардангер/шитое
макраме/узелковое
на спицах/вязаное
крючком/вязаное
Рисунки, использованные в статье, по ссылке:
http://www.hnh.ru/handycraft/2011-04-09-3 [23]
ВОЛОГОДСКОЕ КРУЖЕВО:
Морозные узоры :
https://www.youtube.com/watch?v=ztcIamuC7H8 [24]
Вологодские кружева украсят резиденцию Деда Мороза в Сочи :
https://www.youtube.com/watch?v=GjR6QtyX9J8 [25]
ЕЛЕЦКОЕ КРУЖЕВО:
Елецкие арабески :
https://www.youtube.com/watch?v=jPInHASkqkE [26]
БАЛАХНИНСКОЕ КРУЖЕВО :
***
Коллекция кружев старинной работы, собранная Галиной Новиковой :
https://www.youtube.com/watch?v=QKN3k2aGpAs [27]
Золотое шитье
Первое место по красоте и эффектности среди вышивок следует отвести шитью золотыми и серебряными нитками, известному под названием золотого шитья. В XVII — начале XVIII в. в этой технике работали преимущественно в Испании, Италии, Франции и Германии, где вышивка золотом использовалась для украшения церковных облачений. Шитье золотом — работа довольно трудная, требующая тщательного исполнения, поэтому ею занимались большей частью в монастырях и специальных золотошвейных мастерских.
У нас в России этот вид шитья известен также очень давно. Золотошвейные мастерские были во многих женских монастырях, где этим неповторимым по красоте шитьем украшались церковные облачения и хоругви.
До сих пор существовало мнение, что для безукоризненного исполнения этих работ шитье золотом нужно изучать, по крайней мере, в течение нескольких лет.
В последнее время, когда этот вид рукоделия стал довольно популярным, придумали различные более легкие способы вышивания золотом, не требующие такого большого труда, как прежде. Материалы для шитья золотом теперь используются другие. Конечно, сейчас таких нитей из чистого серебра и золота, которые были в дореволюционной России, нет. Их заменили крученые и пряденые нитки с добавлением небольшого количества драгоценных металлов, реже встречаются металлизированные нитки. В нашей стране пряжу с золочением выпускает Денисовский завод, но лучшие нитки для золотого шитья — французские.
В зависимости от техники шитье делают на атласе, шелке, бархате, реже — парче, потому что ее качество, к сожалению, тоже далеко не такое, как было раньше, золотая и серебряная нити в ней заменены люрексом. Лучшие ткани для золотого шитья опять же импортного производства — итальянские, неплохи также французские и китайские. Главное требование к этим тканям — они должны быть очень прочными и достаточно толстыми.
Для золотого шитья употребляют не только золотые и серебряные нити, но и золотистый и серебристый бисер всевозможной формы, блестки разной величины, матовую и блестящую канитель (канитель — это тонкая проволочка, свитая спиралью).
Техника золотого шитья следующая. Работа полностью делается вручную. Самой важной ее принадлежностью являются прочные и хорошо сделанные прямоугольные деревянные пяльцы.
Также понадобится деревянная шпулька длиной примерно 20 см. На эту шпульку наматывайте металлическую нитку, которая от прикосновения рук может легко потускнеть или испортиться. Сначала на эту шпульку намотайте белые или серые хлопчатобумажные нитки, а затем крестообразно металлическую нить.
Некоторые металлические нитки для золотого шитья очень жесткие и не гнутся, а ломаются. Шпульку с такими нитками на некоторое время положите в очень теплое место, где металл под воздействием высокой температуры станет мягче и, следовательно, удобней для работы.
Независимо от того, на каком материале вы будете вышивать, вам понадобится подкладочная ткань, лучше всего бязь.
Прежде всего, вставьте подкладочную ткань, хорошо натяните и нашейте на нее материал для вышивки. Затем нанесите узор на лицевую сторону ткани с помощью картонных или бумажных шаблонов. После этого можно начинать вышивку.
В зависимости от техники исполнения различают следующие виды шитья:
1. Китайское шитье золотом (китайская или двусторонняя гладь).
2. Вышивка с настилом из шнурочка.
3. Сквозное шитье гладью.
4. Плоское шитье золотыми нитками.
5. Вышивки «фантазия» блестками и канителью.
Китайское шитье
К китайскому шитью причисляют все вышивки, которые покрываются золотыми или серебряными нитками. Эти нитки прикрепляются заметными или незаметными стежками. Для шитья используют шелковые нитки как под цвет металла, так и другого цвета.
Вышивка по настилке из шнурочка
В этом виде вышивки металлическими нитками покрывают настилку из шнурочка, причем они прикрепляются как в китайском шитье. Эти два вида вышивки не требуют много материала, потому что металлическая нитка, которой делается шитье, постоянно остается на лицевой стороне работы.
Сквозная вышивка гладью
Так называется шитье золотом, в котором все части рисунка покрываются плоскими стежками, которые захватывают ткань. В этом шитье стежки одинаковые как на лицевой стороне работы, так и на изнанке. Все эти три вида шитья можно выполнять с настилом или без него, в зависимости от формы рисунка.
Плоское шитье
Для этого вида вышивки всегда делается настил. Металлическая нитка проводится вперед и назад по настилу и каждый раз прикрепляется около него незаметными стежками. Для такого вида работы используется шпулька, помогающая управлять ниткой.
Шитье «фантазия» блестками и канителью
Это самая легкая из всех вышивок металлическими нитками. К узорам, выполненным этим способом, часто добавляют искусственный жемчуг и разноцветные камни. Иногда в вышивки золотом вставляют части, вышитые в технике «фантазия». И, наконец, несколько советов, которые помогут облегчить работу.
Если вы вышиваете с настилом, обязательно выполняйте его мягкими нитками в цвет золота или серебра. Настил накладывайте параллельными рядами ниток, которые не обязательно продергивать через ткань, можно просто закрепить их сверху, это придаст настилу большую выпуклость.
Золотые нитки располагайте перпендикулярно нитям настила. Золотая нить очень хрупкая, поэтому не продергивайте ее через ткань, а прикрепляйте поверх настила. Раньше для прикрепа золотой нити употреблялся шелк, а сейчас для этой цели используют хлопчатобумажные катушечные нитки № 40—50, близкие по цвету к тону золота — желтые или оранжевые. Также познакомьтесь с техникой и приемами выполнения художественной штопки.
Поверх приготовленного настила прикрепите сразу несколько нескрученных золотых нитей, которые должны ложиться плоско. На повороте аккуратно выложите золотые нитки, захватите их ниткой прикрепа и подтяните. Стежки золотой нити должны располагаться плотно друг к другу.
Для акцентирования вышивки с настилом или ее окаймления вы можете использовать шнурочек из 4—5 золотых нитей. Закрепите его за ткань поверх катушечными нитками, располагая стежки прикрепа величиной до 1,5 мм с лицевой стороны работы на расстоянии 5—6 мм друг от друга.
Иногда для заполнения пространства внутри узора шнурок из четырех нитей нашивают петлями (петлеобразный шов). В этом случае закрепите шнурок в трех местах на петле — в начале петли, в середине по центру и в конце. Шнурок при закрытии петли перекроет первый стежок, а в конце сделайте более длинный стежок, захватывающий обе стороны петли.
В золотом шитье широко применяется аппликация из бархата другого цвета или из парчи и блестков разного цвета. Блестки можно пришить с помощью бисера, но более давний и традиционный метод — с помощью канители. Для этой цели иглу с шелковой ниткой, закрепленной на изнанке, выведите на лицевую сторону работы, проведите через кусочек канители длиной 10 мм и снова выведите на изнанку.
Блестки часто используют и для завершения какого-либо узора. Составляются целые композиции из блесток, закрепленных канителью, и стежков ровно нашитой канители.
Узоры, выполняемые металлическими нитями, иногда включают в себя длинные стежки и острые углы. При нашивании золотого шнурочка по контуру узора ниткой несколькими стежками закрепите шнурок, а по острым углам сделайте петли. Середину золоченой петли можете заполнить шелковыми цветными нитками.
http://www.womenpretty.ru/zolotoe-shitie.html [28]
Нижегородское золотное шитье:
Золотное шитьё:
https://www.youtube.com/watch?v=GdIBcKI2Ryg [29]
Древнерусское церковное искусство «Лицевое шитье»:
https://www.youtube.com/watch?v=HnJcdRuK6Uc [30]
История
Оренбургский пуховый платок, наряду с тульским самоваром, матрешкой, хохломской росписью, гжелью, палехом, вологодскими кружевами, дымковской игрушкой, ростовской финифтью, уральским малахитом — один из символов России. Пуховязальный промысел зародился в Оренбургском крае примерно 250 лет назад, ещё в XVIII веке. По другим данным, вязание пуховых шалей из козьего пуха коренным населением этих мест уже было до образования Оренбургской губернии[1]. У его истоков стояли не только рукодельницы-пуховницы, но и ученые, исследователи, энтузиасты искусства. Первым, кто обратил свое внимание на оренбургские пуховые платки, был П.И. Рычков. В 1766 г. П.И. Рычков опубликовал исследование «Опыт о козьей шерсти», предлагая организовать пуховязальный промысел в крае.[2] Впоследствии академик П. П. Пекарский, составил описание жизни Рычкова назвал его «создателем того кустарного промысла в Оренбургском казачьем войске, который кормит не одну тысячу народа уже второе столетие».
За пределами Оренбурга пуховые платки стали широко известны после заседания Вольного Экономического общества 20 января 1770 г. На этом заседании А. Д. Рычкова была награждена золотой медалью «в знак благодарности за оказанное усердие к обществу собиранием изделий из козьего пуха».
Оренбургские пуховые платки за рубежом были впервые представлены на Парижской международной выставке 1857 года. Тем самым Оренбургский платок вышел на международный уровень и получил там признание. В 1862 году на Лондонской выставке оренбургская казачка Ускова М. Н. получила медаль «За шали из козьего пуха».
Пух оренбургских коз — самый тонкий в мире: толщина пуха оренбургских коз — 16-18 мкм, ангорских коз (мохер) — 22-24 мкм. Поэтому изделия из оренбургского пуха — шали и паутинки — особенно нежные и мягкие. Суровые морозные зимы со снегом и оренбургскими метелями — буранами, а также особенности питания оренбургских коз — растительность горных степей Урала — вот основные причины, почему порода оренбургских коз имеет такой тонкий пух. Вместе с тем, этот пух очень прочный — прочнее шерсти. Самое удивительное, что оренбургские козы разводятся только в Оренбургской области. Попытки французов в XIX веке вывезти из Поволжья оренбургскую козу не удались: тонкий пух козам нужен для сохранения тепла, а мягкий климат Франции этому не способствовал. Оренбургские козы во Франции выродились, превратившись в обычных коз с грубым толстым пухом. В XVIII—XIX веках Франция экспортировала десятки тысяч пудов оренбургского пуха, который ценился выше кашмирского. Западная Европа и сейчас много покупает оренбургского пуха.
Пика популярности оренбургские паутинки достигли на закате развития Российской империи. В это время в Англии начали изготавливаться изделия с пометкой «Имитация под Оренбург». Но и в наше время, за рубежом выходит не только множество заметок и статей в иностранных СМИ, но и публикуются целые книги об истории промысла и вязании Оренбургских пуховых изделий.
Оренбургские платки бывают нескольких видов:
простой пуховый платок (шаль) — серые (редко белые) толстые теплые пуховые платки. Именно с изготовления шалей и начался оренбургский пуховязальный промысел. Наиболее теплый вид платка. Такие платки используются для повседневной носки.
паутинка — ажурное изделие из козьего пуха тонкого прядения и шелка. Не используются для повседневной носки. Используется в торжественных, праздничных случаях, так как схемы и приемы вязания намного сложнее, чем простого пухового платка. Обычно используется более чистая и мягкая шерсть, что удорожает изделие.
палантин — тонкий шарф/накидка, по способу вязанию и применению аналогичен паутинке.
Паутинка и палантин — это очень тонкие, как паутина, платки. Тонкие паутинки имеют, как правило, сложный узор и используются как украшение. Лучшие тонкие паутинки вяжут в сёлах Жёлтое и Шишма Саракташского района [3]. Такая паутинка украсит любое платье вне зависимости от фасона. Тонкость изделия нередко определяют по 2 параметрам: проходит ли изделие через кольцо и помещается ли в гусином яйце. Впрочем, не каждое хорошее изделие обязательно соответствуют данным условиям, так как каждая мастерица прядет нить разной толщины, иной раз предпочитая более толстую нить тонкой. В качестве основы для паутинок используют шёлковую (реже — вискозную или хлопчатобумажную) нить, для шалей используют хлопчатобумажную (реже — лавсанную) нить. В паутинках обычно две трети пуха и одна треть шёлка.
Хороший платок ручной работы вяжут из сучёной пряжи: мастерица сначала прядёт плотную нить из козьего пуха, а затем напрядает её на шёлковую (хлопчатобумажную) нить-основу. Такой платок — паутинка или шаль — изначально не выглядит пушистым. Изделия начинают пушиться в процессе носки. Носится такой платок очень долго.
Хорошая мастерица за месяц может связать две паутинки среднего размера или три палантина. На изготовление платка большого размера или платка с рисунком или надписью уходит месяц и более. Каждый платок — это оригинальное художественное произведение, в которое вложено немало творческого труда и терпения мастериц-пуховязальщиц.
В Оренбургской области вяжут не только вручную, но и на машинах. Машинные изделия красивые и менее дорогие, но не могут сравниться с платками ручной работы. Машина при вязке «рубит» пух, и изделие становится более грубым. Такой платок больше похож на платок из очень мягкой шерсти. Впрочем, серединка платка некоторыми мастерицами вяжется именно на машинке, так как в этом случае середина изделия получается более ровной, однако ручная работа и в этом случае ценится выше.
Самая большая коллекция платков представлена в музее истории оренбургского пухового платка, являющегося филиалом Оренбургского областного музея изобразительных искусств.
По одному из преданий первые прибывшие на Урал русские переселенцы были удивлены легкому облачению калмыкских и казахских джигитов, скачущих по бескрайним степям бывшей Киргиз-Кайсацкой Орды. Секрет противостояния лютым уральским морозам оказался необычен: в качестве подкладки под свои легкие одежды они использовали платки, связанные из козьего пуха.
Платки были сшиты без каких-либо узоров, выполняя лишь утилитарную функцию: сохранить тепло своему хозяину.
Такой подход к вязанию пуховых платков изменился, когда за дело взялись русские казачки, начавшие наносить узоры на пуховые изделия. Достаточно быстро такое новшество становилось все более распространенным, и оренбургские пуховые платки становились известными уже и за пределами региона. Необычайный пух оренбургских коз вместе с изумительными узорами завоевывали новых почитателей.
Настоящая слава к оренбургскому пуховому платку пришла в XIX веке. Деревенские рукодельницы стали получать международные награды. Интерес к региону возрос настолько, что заморские купцы приезжали в далекую российскую провинцию за пухом знаменитых коз.
Иностранные компании пытались наладить производство в Европе и даже Южной Америке. За тысячи километров увозились козы, но удивительным было то, что уже через 2-3 года после переселения козы теряли свои лучшие свойства и приносили пух, мало отличающийся от пуха обычных коз. Только морозный уральский климат был хорош для оренбургских коз.
Отчаявшись заполучить оренбургских коз, иностранцы стали закупать пух из Оренбурга. Изделия были настолько знамениты, что одна из английских компаний, выпускавшая пуховые платки, делала на них пометку "имитация под Оренбург".
В XX веке войны и железный занавес советского времени означали окончание эпохи мировой известности Оренбургского региона. Однако это не означало окончания развития пуховязального промысла. Одним из новведений стало использование пуха как оренбургских, так и волгоградских коз. Пух волгоградских коз хорошо подходил для вязания белых платков, что оценили местные рукодельницы.
Другим изменением стало основание Оренбургской фабрики пуховых платков. Мастерами цеха становились рукодельницы знаменитых пуховязальных районов.
Саракташские мастерицы по праву заняли видное место на Фабрике. Использование машин открыло широкие возможности для экспериментов: возможность наносить на пуховые изделия фактически любые узоры за короткое время открывало простор для фантазии. Серединка платка вязалась даже лучше, чем вручную.
Снова как и в XIX веке оренбургский пуховый платок оказался в центре внимания, на этот раз в пределах СССР. Прибыть из Оренбурга без пухового платка стало считаться неуважением. Отбывающие в Оренбург неизменно получали одно и то же задание: привезти знаменитое изделие домой.
Фабрика получала большое количество писем с одной и той же просьбой, но почти всегда с сожалением приходилось отказывать: Фабрика была не в состоянии удовлетворить спрос даже в Оренбургской области, о других регионах речь идти не могла. Оренбургский пуховый платок стал роскошью.
Изменения в политическом и экономическом курсе страны в начале 90-х принесли перемены пуховязальному промыслу. Дефицит оренбургских изделий в других областях привел к тому, что предприниматели стали возить пуховые платки в отдаленные регионы России, где спрос населения на оренбургскую продукцию был высок даже во время экономического спада.
Однако говорить о развитии промысла в последние 15 лет было бы неверным. Помимо ухудшившегося экономического положения промысла, появилась новая проблема: подделки, наводнившие российские рынки. "Настоящий оренбургский пуховый платок", от которого через месяц остаются только х/б-нитки, завоевал рынки куда быстрее настоящих изделий, портя имя Оренбургу.
На "настоящие изделия с Оренбургской фабрики" наклеиваются такие же "настоящие" этикетки. О ручной работе и говорить не приходится: даже в Оренбурге отличить качественное вязание неспециалисту сложно.
Надеждой развития промысла является продажа в другие регионы и страны, ведь продукция продолжает изумлять. Одной из такой возможностью стали интернет-магазины.
Приятно, когда есть уверенность в том, что любой житель страны может найти место, где он может купить пуховые изделия, происхождение которых не вызывает сомнений. Таким интернет-магазином стал Палантин.ру, представляющий изделия знаменитой Фабрики оренбургских пуховых платков и высококачественные оренбургские пуховые платки и паутинки ручной работы.
То, что считалось еще совсем недавно роскошью, стало доступным всем. Надеемся, что у оренбургского пухового платка впереди большое будущее - будущее, основанное на вековых традициях.
http://www.orenkruzeva.ru/oplatkah/history [33]
Павловопосадская шаль.История появления
Полуторовековое присутствие в русской моде павловопосадских платков – одна из загадок нашей истории.
Слово «Шаль» персидское, так называли привозимые из Кашмира шали, вытканные из козьего подшерстка, а слово платок – исконно русское – «плат» (кусок ткани). Но оба слова прижились, обозначая одно и то же. Вот вам и ключ к одной из тайн шали из подмосковного городка Павловский Посад.
От географического положения России никуда не деться – к востоку она простирается и к западу, а из всех этих влияний, заимствований что-то свое сотворяется, входит в кровь и плоть многих поколений, родным становится.
В советские времена эта органичность, «свой стиль», ручная набивка узоров считались крестьянским искусством, ремеслом. Доказательств тому не было, но народ называли творцом всего. Толком никто не понимал, что такое «народ-творец», потому что у любого художественного произведения всегда есть автор, а шали павловопосадские к тому же модный аксессуар. Но моду считали мещанством, а шали частью народного костюма. Так с этим и жили. Про то, что у павловопосадской фабрики были основатели, что с середины XIX века слава этих ярких, шикарных шалей гремела по всей Российской Империи, уже никто и не вспоминал. Редко-редко можно было зимой встретить кого-то в шали с цветочным или персидским узором. Все оглядывались, завидовали, но стоило такое чудо очень дорого.
Когда же и кем была придумана павловопосадская шаль? История эта непростая, много в ней событий забытых, которые в архивах специалисты собирают, много и того, что в старинных модных журналах можно увидеть или перелистывая красивую книгу с орнаментами восточных ковров и тканей. Но это как далекая музыка, когда звук едва-едва доносится. Само собой сложилось, что павловопосадские шали ни на какие другие не похожие, они – художественный образ России.
Так не всегда было. Лет 100 назад, когда мода на такие шали была очень большая, работало множество фабрик подобных павловопосадской, даже в Австро-Венгрии было схожее производство. Но ни в какое сравнение ни по качеству, ни по количеству, ни по разнообразию узоров с Павловопосадской мануфактурой они не шли. Фабрика эта была самой крупной в нашей стране. Менялись способы нанесения орнамента, краски из растительных по ходу развития науки исчезали, их заменяли химическими.
В середине XIX века впервые стали выпускать шали из шерсти. Сначала из привозной, а потом перешли на отечественное сырье и к началу XX века использовали тонкорунную очень качественную шерсть. Шали получались легкие и шелковистые, с нежным блеском. У каждого явления, как и у человека, своя судьба. Так получилось, что после 1917 года почти все платочные производства ушли в небытие. Только павловопосадская шаль жива-живехонька! Очевидной стала не только ее русскость, но и удивительная роль в культуре. В конечном счете, она одна вышла из всех передряг, войн, отрицаний прошлого, пренебрежения к цветочному и мажорному орнаменту, упреков в излишней «восточности» и несоответствию современной моде.
Русская глиняная игрушка являлась частью жизни народа на протяжении многих веков. Искусство изготовления таких вещиц и традиции ремесла передавались из поколения в поколение. Эти, казалось бы, безделушки являются воплощением красоты, труда и образа жизни русского народа.
История происхождения глиняных игрушек На территории нашей страны археологами были найдены наиболее древние глиняные игрушки, относящиеся ко второму тысячелетию до нашей эры. Они представляли собой погремушки, различную посуду и маленькие глиняные подобия орудия труда.
При раскопках (Москва, Рязань) были найдены игрушки и более позднего происхождения. Они носили культовое значение и были изготовлены в виде фигурок людей, птиц, коней. Создавались эти игрушки посредством лепки из глины и последующего обжига в печи. Иногда их украшали росписью и покрывали глазурью.
История глиняной игрушки стремительно развивалась. Ее производство в 17-18 вв. быстро нарастало. Фигурки стали изготавливаться специально для продажи на весенних ярмарках.
Глина – пластичный и мягкий материал. Она была пригодна не только для формирования посуды. Из нее лепили всевозможные игрушки-свистульки, образы людей, птиц, зверей, грематушки (погремушки) и многое другое. Каждый мастер обладал своим стилем и манерой лепки и украшения изделия.
При Алексее Михайловиче в качестве сувениров и подарков такие вещицы охотно стал закупать царский двор. В то время глиняные игрушки лепили все, от мала до велика. Занимались этим по большей части в осенне-зимний сезон, когда времени, свободного от сельских забот, было предостаточно. И по сей день народная игрушка из глины не теряет своей актуальности. Созданная во всевозможных вариациях формы и цвета, она обладает волшебным умением привносить в дом уют, тепло и хорошее настроение.
Народная глиняная игрушка: различия по происхождению и методу изготовления
Игрушки могут различаться по составу глины, взятой для поделки, и по манере лепки, свойственной тому или иному виду изделий. Лучше всего лепятся образы из жирной глины. В основном она используется для изготовления филимоновских игрушек. Каждому изделию свойственны определенные формы и цветовая гамма, которые зависят от вида глины, найденной в определенной местности, и ее пластичных свойств.
Глиняные игрушки, изготавливаемые ранее, представляют собой особую отрасль гончарного ремесла, сохранившуюся и по сей день. Выразительность и простота - главные критерии лепки этих изделий народными мастерами.
Большой известностью пользуются российские керамические игрушки: абашевские, каргопольские, дымовские, филимоновские и др. Это ремесло получило свое распространение по многим странам мира.
Глиняная игрушка каргопольская:история возрождения
Своим названием эти поделки обязаны своему месту происхождения, городу Каргополь Архангельской области, а точнее деревням вокруг него. Именно там поначалу крестьянами создавались игрушки из наиболее доступного в этих местах материала – глины. Довольно интересна история возрождения этого промысла. По отношению к другим видам мастерства, возрождение которых было организовано в советские времена, искусство каргопольской игрушки в России в какой-то момент было практически утеряно. Однако некоторые образцы изделий удалось сохранить и донести до наших дней благодаря Ульяне Бабкиной. Она смогла дать вторую жизнь некогда исчезнувшему виду ремесла. Глиняные игрушки, фото которых представлены ниже, отражают всю индивидуальность и особенности мест своего происхождения.
Особенности внешнего вида каргопольской игрушки
Каргопольские поделки, по сравнению с другими их сородичами, отличаются своим достаточно архаичным видом. Тем не менее они достаточно узнаваемы по своему типажу, стилю и росписи. Сюжеты делятся условно на 2 категории: Сюжетные игрушки, демонстрирующие деревенский образ жизни, а также воссоздающие сказочные сюжеты. Тематика может быть абсолютно разной – «Девушка за стиркой», «Рыбаки», «Тройка лошадей» и тому подобное.
Старинные типы – всевозможные животные, полкан (человек с телом коня), берегиня (женщина с голубями в руках). Важнейшей обрядовой темой данных игрушек является «женщина-мать», прообразами которой являются животворящие силы «матери - сырой земли» и солнца.
Любимым образом среди каргопольских мастеров является женская фигурка «Бобка». Современными мастерами могут быть придуманы новые сюжеты с сохранением признаков каргопольской игрушки. Это только множит и без того богатое изобилие образов таких поделок.
Если следовать всем традициям, расписанная игрушка представляет собой выбеленную фигурку, разукрашенную разными цветами, но без всякого глянца и лишних деталей. Несмотря на разнообразие красок, оттенки, в том числе и яркие, выглядят достаточно приглушенно. Роспись лица достаточно простая.
Присущие узоры
Роспись глиняных игрушек является довольно простой, однако берет она свое происхождение из далеких времен. Здесь можно увидеть прямоугольники, овалы, ромбы, штрихи, полоски, крапинки, косые кресты. Набор красок в основном состоит из коричневого, охристого, черного, зеленого, кирпично-красного и голубого оттенков. Реже добавляются серебряная и золотая краски.
Глиняные свистульки: их значение и поверья
В качестве детской забавы глиняные игрушки-свистульки стали восприниматься сравнительно недавно. Ранее, во времена языческих богов, эти фигурки носили магическое значение. Их использовали для отпугивания нечистой силы. Пинежский заговор гласит, что игрушка способна переманивать на себя болезни. Такую же цель имели и различные свистульки. Их часто лепили в виде различных животных и птиц, которые, в общем-то, и являлись традиционной темой русских народных игрушек.
В Тульской области существовали поверья о том, что свистульки могли снять порчу с человека и вернуть ее на того, кто ее послал. Те или иные виды фигурок могли избавить от различных хворей.
Как правило, их расставляли напротив окна для защиты ребенка от зла и болезней. В 19 веке в Вятке проводился древний обряд с применением игрушечной свистульки, призванный изгонять злые силы и привлекать добрые. Этот праздник носил название «Свистопляска» или «Свистунья». В эти дни взрослые и дети свистели в глиняные свистульки, предавались танцам и веселью.
В чем заключается индивидуальность поделок из глины?
Рассматривая все работы ранних и современных мастеров, в том числе и зарубежных, можно увидеть обильное разнообразие свистковых поделок. Это зависит от многих факторов, в том числе и от пичужки – инструмента для прокалывания отверстия в игрушке. По длине все инструменты практически одинаковы - от 80 мм до 100 мм. Однако сечение может быть весьма разнообразным – круглым, овальным или прямоугольным. Пичужка каждого мастера - это его личный инструмент, изготовленный им самим, поэтому техника у всех разная, и результат, соответственно, отличается от других. Тем не менее известны способы изготовления свистулек абсолютно без каких-либо приспособлений, где в ход идут только руки.
Значение поделок в современном мире
Изготовление глиняных игрушек - это индивидуальный процесс для каждого человека. Очень полезны подобные занятия в школьных кружках. С их помощью можно вызвать в детях интерес и любовь к мировой культуре, развить моторику рук, художественный вкус, натренировать усидчивость, настойчивость и терпение.
Свойства глины, применимой для изготовления игрушек
Несложно догадаться, что глиняные игрушки, в том числе свистульки, изготавливаются из глины. В природном виде ее можно встретить различных цветов, но обычно после обжига она меняет свой цвет на белый или красный. Поэтому ее стали называть "беложгущаяся" или "красножгущаяся".
Месторождения глины
Красножгущаяся глина имеет наибольшее распространение. Она, как правило, встречается на берегах озер и рек, оврагов и склонов. Также ее можно найти на строительных площадках при рытье котлованов. Но следует знать, что природная или живая глина не всегда пригодна для изготовления поделок, так как в ней часто содержатся всевозможные примеси – мелкие камни, песок и тому подобное.
Глина с содержанием песка до 5% называется "жирной", а та, в которой доля песка доходит до 30%, именуется "тощей". Чтобы изготовить качественную свистульку, следует брать материал средней жирности (10-15%).
Подготовка материала к работе
Глиняное тесто, или керамическая масса, представляет собой смесь, прошедшую определенный технологический процесс, после которого она готова к изготовлению гончарных изделий.
В промышленных масштабах для этого применяются специальные машины – прессы, грохоты, шаровые мельницы и пр. Но для изготовления ее в небольшом количестве весь процесс можно упростить.
Этапы технологии:
- Набрать в карьере глину.
- Небольшой ком материала следует предварительно обжечь в печи, чтобы убедиться в его пригодности к работе.
- На чистой поверхности разложить комки и высушить.
- Далее размельчить их и удалить имеющиеся примеси щепок, камней, былинок и т. п.
- В измельченную массу добавить воду из расчета три части жидкости и одна часть глины.
- Раствор тщательно размешать.
- Дать массе отстояться, пока на дно не осядет наиболее тяжелая часть (камни с песком).
- Оставшуюся осветленную воду следует осторожно слить. - Вычерпать средний слой глины и погрузить ее в гипсовую ванну или ведро.
- Дать смеси подсушиться до состояния густого теста, тогда во время работы она не будет прилипать к рукам.
- Вымесить глину с целью удаления лишних воздушных пузырьков.
Качество материала можно проверить следующим образом: скатать жгут с диаметром 15-20 мм, согнуть его не спеша пополам. Если место перегиба осталось гладким, без трещин или практически без них, значит, эта масса пригодна для изготовления свистулек.
Для надежного сохранения получившуюся массу поместить в целлофановый пакет и герметично его закрыть. В таком виде глина может сохраняться на продолжении нескольких месяцев. В подсохший комок можно добавить небольшое количество воды и перемять его тщательно.
Если в ваших планах - изготовить всего лишь пару свистулек, постарайтесь использовать доступный вам материал без вышеописанной предварительной обработки. Глина из некоторых месторождений уже готова к применению. Если не получается подготовить материал перечисленными способами, тогда его можно приобрести на предприятиях, занимающихся изготовлением керамических изделий, в художественных лавках или онлайн-магазинах.
Каргопольская игрушка.
http://www.youtube.com/watch?v=_aTDNOf3B1s&list=PL-s1c5LBRdKrWN0dgzDX6Q71QeX2TTJY7 [36]
1997 Живая сказка Мастерица дымковской игрушки З В
Пенкина:
http://www.youtube.com/watch?v=ZnGq9hmNcIs [37]
Филимоновская игрушка :
http://www.youtube.com/watch?v=rMIOgxVx3ww [38]
Абашевская игрушка :
http://www.youtube.com/watch?v=rJ19mcayw7o [39]
Романовская игрушка :
http://www.youtube.com/watch?v=otED5nigXq8 [40]
Юбилей отмечает Валентина Руденко - курский мастер кожлянской игрушки :
http://www.youtube.com/watch?v=VgGem8TGldE [41]
Как сделать из глины "Птичку-свистульку" :
Матрёшка — русская деревянная игрушка в виде расписной куклы, внутри которой находятся подобные ей куклы меньшего размера. Число вложенных кукол обычно от трёх и более. Обычно они имеют форму в виде яйца с плоским донцем и состоят из двух частей: верхней и нижней. По традиции рисуется женщина в красном сарафане и платке. В наше время темы для росписи разнообразны: это сказочные персонажи, девушки, а также семьи. Стали нередки и матрёшки пародийного характера с изображением политических деятелей. Сравнительно недавно стала набирать популярность матрёшка с изображением портрета на ней — портретная матрёшка. Портретная матрёшка — новое направление в искусстве авторской матрёшки, характеризующееся наличием портретного изображения на кукле.
Версия возникновения
Русская деревянная расписная кукла появилась в России в 90-х годах XIX века, в период бурного экономического и культурного развития страны. Это было время подъёма национального самосознания, когда в обществе всё настойчивее стал проявляться интерес к русской культуре вообще и к искусству в частности. В связи с этим возникло целое художественное направление, известное под названием «русский стиль». Восстановлению и развитию традиций народной крестьянской игрушки уделялось особое внимание. С этой целью в Москве была открыта мастерская «Детское воспитание». Первоначально в ней создавались куклы, демонстрировавшие праздничные костюмы жителей разных губерний, уездов России, и достаточно точно передававшие этнографические особенности женской народной одежды. В недрах этой мастерской и зародилась идея создания русской деревянной куклы, эскизы к которой были предложены профессиональным художником Сергеем Малютиным (1859—1937), одним из активных создателей и пропагандистов «русского стиля» в искусстве. Идея создания разъёмной деревянной куклы была подсказана С. В. Малютину японской игрушкой, привезённой с острова Хонсю женой С. И. Мамонтова. Это была фигура добродушного лысого старика, мудреца Фукурамы, в которой находилось ещё несколько фигурок, вложенных одна в другую.
Его матрёшка представляла собой круглолицую крестьянскую девушку в вышитой рубашке, сарафане и переднике, в цветастом платке, держащую в руках чёрного петуха.
Русскую деревянную куклу назвали матрёшкой. Сделано это было неслучайно. В дореволюционной провинции имена Матрёна, Матрёша считались одними из наиболее распространённых женских имён, в основе которых лежит слово «матерь». Эти имена ассоциировалось с матерью многочисленного семейства, обладавшей хорошим здоровьем и дородной фигурой. Впоследствии оно сделалось нарицательным и стало означать токарное разъёмное красочно расписанное деревянное изделие. Но и по сей день матрёшка остаётся символом материнства, плодородия, поскольку кукла с многочисленным кукольным семейством прекрасно выражает образную основу этого древнейшего символа человеческой культуры.
Первая русская матрёшка, выточенная по эскизам С. В. Малютина лучшим игрушечником из Сергиева Посада В. Звёздочкиным, была восьмиместная. За девочкой с чёрным петухом следовал мальчик, затем опять девочка. Все фигурки отличались друг от друга, а последняя, восьмая, изображала спелёнатого младенца.
Технологию изготовления матрёшки российские мастера, умевшие вытачивать деревянные предметы, вкладывающиеся друг в друга (например, пасхальные яйца), освоили с лёгкостью. Принцип изготовления матрёшки остаётся неизменным до настоящего времени, сохранив все приёмы токарного искусства русских умельцев.[1]
Музеи матрёшки
В нескольких городах работают музеи матрёшки: в Москве — в Леонтьевском переулке, в Нижнем Новгороде, в Нолинске, Калязине, Вознесенском и в Сергиевом Посаде.
Изготовление матрёшек
Сейчас матрёшки делают в различных мастерских.
Сначала подбирают подходящий вид древесины. Из-за мягкости в основном выбирают липу, реже ольху или берёзу. Деревья обычно срубают ранней весной, снимают кору, но не полностью, чтобы во время сушки древесина не давала трещин. Затем брёвна складируют и сушат в течение нескольких лет в хорошо вентилируемом месте.
К обработке древесины необходимо приступать тогда, когда она не сухая, но и не сырая. Каждая заготовка проходит более десятка операций. Самую маленькую куклу — неразборную — делают первой.
Когда матрешка готова, приступают к следующей фигурке, в которую войдёт первая. Заготовка необходимой высоты обрабатывается и разрезается на верхнюю и нижнюю части. Первой делается нижняя часть. Затем удаляют древесину изнутри обеих частей второй куклы так, чтобы меньшая кукла плотно вставлялась внутрь. Потом процесс повторяется для куклы бо́льшего размера, в которую войдут две предыдущие и т. д. Количество кукол может быть различным.
В заключение процесса каждую куклу покрывают масляным лаком. После окончательной сушки и полировки художник приступает к раскраске. В качестве красок используется акварель, гуашь, темпера, реже масляные краски. Несмотря на разнообразие красок, мастера по-прежнему отдают предпочтение гуаши.
https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9C%D0%B0%D1%82%D1%80%D1%91%D1%88%D0%BA%D0%B0 [42]
Как делают матрёшку :
Ссылки:
[1] http://www.advantour.com/rus/russia/crafts.htm
[2] http://fb.ru/article/87147/derevyannoe-zodchestvo-drevney-rusi-nashe-kulturnoe-nasledie
[3] https://www.youtube.com/watch?v=hLQ4RdTuMqI
[4] http://www.youtube.com/watch?v=MfanlRzNeAs
[5] https://www.youtube.com/watch?v=f71CuDQNrYg
[6] http://www.artly.ru/russkoe-kuznechnoe-remeslo/istoriya-kuznechnogo-remesla-i-mastera-kuznechnyx-del.html
[7] http://promisly.ru/nhp/rezba-po-kamnyu
[8] https://www.youtube.com/watch?v=IYe6V4R2dDg
[9] https://www.youtube.com/watch?v=MHtHeTY1YvM
[10] http://www.youtube.com/watch?v=ED6QDgVsxbk
[11] http://www.youtube.com/watch?v=3uGIeZMnsDY
[12] http://www.luxemag.ru/tableware/3586.html
[13] https://www.youtube.com/watch?v=QnpmckuxxYI
[14] http://traditio.wiki/%D0%A5%D0%BE%D1%85%D0%BB%D0%BE%D0%BC%D1%81%D0%BA%D0%B0%D1%8F_%D1%80%D0%BE%D1%81%D0%BF%D0%B8%D1%81%D1%8C
[15] https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%93%D0%BE%D1%80%D0%BE%D0%B4%D0%B5%D1%86%D0%BA%D0%B0%D1%8F_%D1%80%D0%BE%D1%81%D0%BF%D0%B8%D1%81%D1%8C
[16] https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%96%D0%BE%D1%81%D1%82%D0%BE%D0%B2%D1%81%D0%BA%D0%B0%D1%8F_%D1%80%D0%BE%D1%81%D0%BF%D0%B8%D1%81%D1%8C
[17] https://www.youtube.com/watch?v=2DOL4IDahTI
[18] http://art-assorty.ru/380-paleh.html
[19] https://www.youtube.com/watch?v=E96W5Oo1r4Y
[20] https://www.youtube.com/watch?v=QZKTqBy68-w
[21] https://www.youtube.com/watch?v=4x7ZYgdsav8
[22] https://www.youtube.com/watch?v=hXIrN4SjQxs
[23] http://www.hnh.ru/handycraft/2011-04-09-3
[24] https://www.youtube.com/watch?v=ztcIamuC7H8
[25] https://www.youtube.com/watch?v=GjR6QtyX9J8
[26] https://www.youtube.com/watch?v=jPInHASkqkE
[27] https://www.youtube.com/watch?v=QKN3k2aGpAs
[28] http://www.womenpretty.ru/zolotoe-shitie.html
[29] https://www.youtube.com/watch?v=GdIBcKI2Ryg
[30] https://www.youtube.com/watch?v=HnJcdRuK6Uc
[31] https://www.youtube.com/watch?v=RQZ3fr5HiT0
[32] https://www.youtube.com/watch?v=Czq6wrTWovU
[33] http://www.orenkruzeva.ru/oplatkah/history
[34] http://street-fashion-guide.ru/platki/pavlovoposadskie-platki/pavlovoposadskaya-shal-istoriya-poyavleniya.html
[35] http://fb.ru/article/137183/glinyanyie-igrushki-glinyanyie -igrushki---svistulki-rospis-glinyanyih-igrushek
[36] http://www.youtube.com/watch?v=_aTDNOf3B1s&list=PL-s1c5LBR dKrWN0dgzDX6Q71QeX2TTJY7
[37] http://www.youtube.com/watch?v=ZnGq9hmNcIs
[38] http://www.youtube.com/watch?v=rMIOgxVx3ww
[39] http://www.youtube.com/watch?v=rJ19mcayw7o
[40] http://www.youtube.com/watch?v=otED5nigXq8
[41] http://www.youtube.com/watch?v=VgGem8TGldE
[42] https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9C%D0%B0%D1%82%D1%80%D1%91%D1%88%D0%BA%D0%B0